‘Wildwood’ : Laika dévoile un conte épique audacieux et enchanteur !

“Profitez de l’art fait main avant qu’il ne disparaisse à jamais.” Les spectateurs attentifs pourraient apercevoir ces mots éphémères à l’écran dans les premiers moments de “Wildwood”, au milieu d’une multitude de scènes passantes et de gags visuels, alors que son héroïne jeune pédale avec frénésie à travers les rues animées et chaleureuses de Portland, Oregon. Imprimée sur un panneau à côté des créations d’un céramiste local, cette phrase se moque gentiment de l’esprit sain et un peu hippie de la ville — mais c’est aussi une publicité sincère pour les vertus majoritairement artisanales de “Wildwood” lui-même. Si cette blague interne semble un peu auto-satisfaite, le réalisateur Travis Knight et son équipe ont bien le droit de se vanter : Le sixième long-métrage du studio d’animation indépendant Laika est un véritable chef-d’œuvre, une prouesse tactile et empreinte de doigté en stop-motion à une échelle rarement vue dans ce genre, qui se démarque de manière éclatante dans un marché de dessins animés dominé par des graphismes numériques lisses et troublants.

Ce n’est pas en soi une révélation. Le style visuel organique et idiosyncratique (et il convient de le mentionner, subtilement rehaussé par des éléments en CG) de Laika a impressionné depuis leur premier film en 2009, le classique moderne pour enfants “Coraline” réalisé par Henry Selick, jusqu’à la comédie sympathique “Missing Link” une décennie plus tard. Ces deux films ont opté pour un style narratif agréablement excentrique qui correspondait à l’intimité de leur artisanat. Dans “Kubo et les Deux Cordes”, une aventure historique japonaise de 2016, cependant, Knight a poussé ce medium résolument miniature vers un territoire éminemment épique — un objectif qu’il poursuit avec encore plus d’ambition dans cette vaste aventure de 130 minutes, qui couvre narrativement tout le spectre allant du conte gothique à la guerre fantastique viscérale. Certains fans de Laika pourraient avoir des sentiments plus chaleureux pour les œuvres plus petites et plus originales du studio, mais en tant qu’accomplissement formel et film apprécié par un large public, “Wildwood” est un succès spectaculaire.

Si le film est, au niveau de l’histoire, quelque peu plus générique que ce à quoi nous sommes habitués avec le répertoire de Laika, cela s’applique également au livre dont il est tiré. Un pavé de plus de 500 pages par le musicien indépendant Colin Meloy (célèbre pour son groupe The Decemberists) qui se situe à la frontière entre la littérature pour enfants et la littérature pour adolescents, le roman ne montre pas une grande originalité tant dans sa prose que dans son concept — des fragments d’œuvres de C.S. Lewis, J.R.R. Tolkien, Enid Blyton et Kenneth Grahame sont tous mélangés dans sa narration et son imagerie, sans oublier une bonne partie du film “Labyrinth” de Jim Henson — mais c’est tout de même une histoire captivante. Il en va de même pour le film, dans lequel le scénariste habituel du studio, Chris Butler, améliore peut-être même le matériau d’origine : Les dialogues sont vifs, les relations rapidement esquissées mais sincèrement ressenties.

Il s’ouvre sur une séquence de bizarreries assez effrayantes et désorientantes qui expliquent immédiatement la classification PG-13 du film — annonçant un certain degré de violence et d’intensité émotionnelle à ne pas négliger par les parents à la recherche d’un film d’animation pour garder leurs petits. Alors qu’un orage fait rage à l’extérieur, un jeune garçon dans un château forestier imposant se rend sur une haute terrasse devant sa chambre, et se jette délibérément dans le vide avant que sa mère désespérée ne puisse l’arrêter ; alors que des foules se rassemblent sur les lieux de la tragédie, on découvre que le garçon n’était qu’un androïde, sa poitrine brisée révélant les engrenages métalliques à l’intérieur.

Il faut un certain temps avant que nous ne recevions le contexte de cette ouverture solennelle et cryptiquement belle, alors que nous passons à une enfance beaucoup plus reconnaissable : celle de Prue, une préadolescente de 12 ans (doublée par Peyton Elizabeth Lee), qui vit avec ses parents bohèmes hipsters (Jake Johnson et Maya Erskine) et son petit frère Mac dans une banlieue tranquille de Portland, et qui commence tout juste à souhaiter une vie moins ordinaire, ou du moins moins ennuyeuse. Ses parents sont des types sérieux et protecteurs (Mac n’est jamais autorisé à sortir, pour des raisons initialement inconnues) qui croient à de nombreuses légendes régionales et superstitions, en particulier concernant la soi-disant Wilderness Impassable à la périphérie de la ville — une forêt dense et tentante que les habitants sont interdits d’entrer.

Nous entrerons dans cette forêt, bien sûr, mais seulement dans des circonstances désespérées — lorsque Prue, ignorant sceptiquement les instructions de ses parents en étant chargée de s’occuper de Mac pendant un après-midi, l’emmène à un terrain de jeux local, seulement pour assister impuissante à l’envol du bébé, emporté par une bande de corbeaux d’un style Hitchcockien (et peut-être littéralement). S’ensuit une séquence de poursuite captivante, revenant à travers ces rues chaotiques de Portland, vers la forêt — les fourrés et épines impénétrables de laquelle s’écartent magiquement en sa présence. (Un autre point de mystère à noter pour plus tard.)

Elle est initialement rejointe dans sa recherche paniquée par son camarade de classe bien intentionné mais désespérément nerd (Jacob Tremblay) — qui, bien sûr, s’avère être plus résistant que ce que l’on pourrait penser — mais ils se retrouvent bientôt séparés dans un écosystème diversifié et surréaliste où différentes zones sont gouvernées par des coyotes militaires de style Redcoat, des oiseaux de proie hautement intelligents et surdimensionnés, ainsi que des figures humaines allant de sorcières bienveillantes à des bandits géants et des bureaucrates mesquins. Prue découvre bientôt que sa recherche déjà délicate est compliquée par des tensions de longue date entre ces factions, avec la puissante et maléfique Gouvernante Dowager (magnifiquement interprétée par Carey Mulligan) au cœur de tout cela. L’invasion innocente de l’étrangère pourrait bien être ce qui déclenche finalement une guerre.

C’est une saga à la fois complexe et classiquement simple, pleine de tropes de contes de fées bien connus allant des reines en deuil aux bébés en danger dans les bois, et fournie avec suffisamment de personnages secondaires dynamiques pour justifier un ensemble de voix d’étoiles. (Mahershala Ali est un guerrier bourru mais au cœur d’or ; Awkwafina un rat sarcastique mais utile, fortement inspiré par Templeton d’E.B. White.) Il y a des moments de pause ici et là — la durée du film, bien que impressionnante, n’est pas complètement nécessaire — mais elle est dans l’ensemble captivante, surtout parce que chaque nouvel espace révélé de ces infinis paysages offre à une équipe d’artistes en argile de nouvelles tonalités, textures, créatures et références mythologiques à explorer.

Un majestueux aigle doré surdimensionné (doublé, bien sûr, avec une autorité royale par Angela Bassett) qui vient au secours de Prue à un moment crucial est d’une merveille immense, chaque plume étant aussi soigneusement articulée que les feuilles de lierre qui étouffent certains secteurs de la forêt ; un arbre sacré imposant se déplace à travers plusieurs saisons de feuillage en quelques secondes. Mais les animateurs prêtent également une attention particulière aux détails fins : le grognement caractéristique de chaque mâchoire de coyote, ou une larme scintillant en gros plan sur une joue douce et rougie. Tout cela est magnifiquement éclairé, de plus, par le directeur de la photographie vétéran Caleb Deschanel (“Le Black Stallion”, “La Passion du Christ”), que ce soit en apportant juste la bonne lueur crépusculaire à une clairière enchantée, ou en manipulant les ombres filiformes des bois à l’heure des sorcières.

La bande originale de Dario Marianelli est tout aussi dynamique et colorée, s’inspirant tour à tour de cordes celtiques tourbillonnantes, de percussions militaires et d’instrumentation acoustique entraînante — bien qu’un premier extrait de la chanson country-rock de Loretta Lynn “Portland Oregon” ne soit jamais égalé en termes de modernité inattendue. (Le groupe de Meloy contribue une chanson inspirante aux crédits de fin.) “Wildwood” est sur le point de devenir une surenchère visuelle et sonore, mais l’abondance est très certainement le point d’une histoire sur l’exploration et l’acceptation de tous les recoins du monde qui vous entoure, même ceux qu’on vous a explicitement dit d’éviter. Dans cet esprit, le film de Knight emprunte beaucoup à la bibliothèque de la fantasy et du folklore, mais avec suffisamment d’exubérance et d’imagination pour se sentir comme une nouvelle référence. Peut-être que l’art fait main n’est pas encore prêt à disparaître.