Le réalisateur de ‘Ballast’, Lance Hammer, fait enfin suite à son premier film de 2008 avec une œuvre frappante et émotionnellement complexe, mettant en scène une brillante distribution d’acteurs.
“Queen at Sea”, le premier long métrage de Lance Hammer en 18 ans, est une œuvre d’une douceur déchirante et de dilemmes éthiques dérangeants. En abordant des thèmes délicats comme le consentement et l’autonomie face à la démence, le film s’engage sans relâche dans l’exploration de questions impossibles à résoudre, et utilise, comme support, trois interprètes sensationnels qui rendent son drame à la fois lumineux et totalement dévastateur.
Les premières scènes délicates du film, montrant un couple âgé montant un escalier public bras dessus bras dessous, sont rapidement brisées par des images percutantes qui plongent l’histoire dans une réalité dure et impitoyable. Amanda (Juliette Binoche), une professeure d’âge moyen récemment divorcée, se rend avec sa fille adolescente Sarah (Florence Hunt) dans un appartement victorien à Londres, où elle découvre sa mère âgée, Leslie (Anna Calder-Marshall), sous les hanches de son beau-père Martin (Tom Courtenay). L’expression de Leslie semble témoigner d’un grand inconfort, et la réponse exaspérée d’Amanda, qui chasse Martin de sa mère, suggère que cela est un comportement récurrent. En tant que fille consciencieuse, elle en a assez cette fois-ci et appelle enfin la police, informant les autorités de la démence de sa mère.
En quelques minutes, et avec seulement quelques mots, Hammer et ses acteurs brossent un portrait troublant de vies compliquées en mouvement, nous introduisant à une histoire à son point de basculement. Bien qu’Amanda fasse clairement comprendre que Leslie ne peut pas consentir (ce que le médecin de sa mère a également confirmé), les actions de Martin découlent de motifs plus complexes que la simple égoïsme ou la luxure.
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Le fait que le film s’ouvre sur une agression sexuelle ne fait aucun doute, compte tenu de son cadrage visuel violent. Cependant, il évite également le didactisme – d’abord en centrant les affirmations de Martin qui prétend connaître sa femme et reconnaître ses désirs, puis en mettant l’accent sur le regret immédiat d’Amanda d’avoir impliqué les autorités, si cela signifie potentiellement séparer le couple âgé. Martin aime profondément Leslie et est son principal aidant, tandis qu’Amanda et sa fille ne se sont temporairement déplacées de Newcastle que pour s’occuper d’elle.
Le film passe rapidement en mode procédural alors que Leslie est soumise aux processus juridiques apparemment corrects, y compris un examen de viol. Mais sa maladie est avancée, donc elle est à peine verbale et a peu d’idée de ce qu’elle traverse. L’enquête ne peut s’empêcher de sembler déshumanisante, malgré le réconfort qu’Amanda lui apporte pendant que les médecins l’examinent de manière soigneusement clinique. Il est difficile de ne pas être perturbé par ces détails émotionnels de plus en plus complexes, comme si ces personnages — de simples inconnus quelques instants auparavant — étaient immédiatement devenus de la famille.
Nous ne sommes pas seulement des observateurs de situations dramatiques, mais des participants au théâtre moral du réalisme social de Hammer, qui rappelle Ken Loach. Les binarités de bien et de mal ne sont pas utiles lorsqu’il y a tant d’autres éléments à considérer, des histoires vécues aux dynamiques délicates et aux situations de vie. Amanda, malgré ses plaintes, souhaite que Martin continue à s’occuper de Leslie, et plus nous les voyons interagir, plus nous souhaitons cela pour elle aussi.
Le cœur du film réside dans ses performances naturelles de premier plan. Courtenay, en tant qu’aidant doté de couches de sympathie, montre frustration et compassion de manière égale, mélangeant les protestations obstinées d’un homme à la fin de sa vie avec la tendresse et la sagesse qui l’accompagnent souvent. Binoche, quant à elle, se tient sur un fil, jouant chaque scène avec un sous-texte d’impuissance épuisée, alors qu’elle perd de plus en plus prise sur ce qui est juste pour sa mère et son beau-père.
Cependant, c’est Calder-Marshall qui finit par être centrale dans le déroulement de “Queen at Sea”, tant sur le plan thématique que tonal. Elle doit réduire Leslie, autrefois une personne complète, à ses instincts les plus basiques tout en reflétant encore la lumière de qui elle était. On peut facilement imaginer une version différente de son rôle, définie par des gestes non verbaux sauvages et une désespérance collante. Mais plus que ses co-stars, elle tourne ces instincts vers l’intérieur, aboutissant à une performance d’une subtilité surprenante qui communique néanmoins de manière lucide chaque moment trouble. Ses regards vides sont parsemés d’assez d’humanité reconnaissable pour amener la caméra à s’interroger sur ce qui, le cas échéant, se passe derrière ses yeux — un mystère qui plane sur toute l’histoire.
A mesure que le film aborde des questions sur la manière dont cette famille devrait avancer, il coupe fréquemment à la dramatique de passage à l’âge adulte de Sarah, une adolescente vivant sa propre éveil sexuel. Le fait qu’elle semble rarement se soucier de sa mère ou de sa grand-mère est, pour le meilleur ou pour le pire, fidèle à sa situation actuelle. Bien que cela puisse être frustrant à regarder, cela constitue également un miroir narratif intrigant. Son flirt mignon avec un camarade de classe est de faible enjeu, mais lorsqu’il est mis en contraste avec les événements vécus par les générations plus âgées — une mère séparée de son mari et des grands-parents nécessitant des soins constants, qui sont proches d’être déchirés l’un de l’autre — il est presque miraculeux qu’elle soit ouverte à la romance.
Il est possible qu’un optimisme caché guide Sarah, imprégnant le film d’une qualité secrètement encourageante, malgré le sujet sombre. La plupart des films modernes sur la démence — comme “Amour” de Michael Haneke ou “The Father” de Florian Zeller — tendent à se concentrer sur la misère causée par la maladie. Bien que cela soit également vrai pour “Queen at Sea”, ce qui le distingue est sa représentation de l’amour durable qui rend la perte de mémoire et de fonction si tragique en premier lieu.
Ces contours thématiques sont sculptés avec le plus grand soin, entre le script de Hammer tiré de recherches détaillées sur les sujets en question — qui s’étend à l’embauche d’experts en soins aux personnes âgées et en agression sexuelle dans des rôles secondaires — et l’incroyable habileté visuelle du directeur de la photographie Adolpho Veloso, connu pour “Train Dreams”. Les riches cadres en 35mm sont capturés avec une immobilité qui souligne le vide hanté autour des personnages. Pourtant, la caméra injecte une urgence fantomatique dans le déroulement des événements grâce à l’utilisation par Veloso d’un angle de fermeture réduit, ce qui entraîne une réduction tremblante du flou de mouvement typique du cinéma d’action. (Vous pourriez le reconnaître de la séquence de Omaha Beach dans “Il faut sauver le soldat Ryan”).
Appliquer une telle technique viscérale dans un drame autrement retenu a parfois pour effet de faire des interactions de Leslie avec le monde extérieur des impositions surprenantes. Mais pour la plupart, votre cerveau s’y habitue malgré l’association de l’esthétique à un chaos et un mouvement. Appliquer cette texture à de longues scènes de tranquillité vous maintient sur le fil du rasoir de manière subtile et subconsciente : vous pourriez même oublier pourquoi vous vous êtes senti anxieux au départ, ou s’il y avait quelque chose que vous étiez censé anticiper. C’est comme vivre perpétuellement la sensation d’entrer dans une pièce et de perdre toute perception de la raison pour laquelle vous êtes là. Il existe de nombreux films sur le sujet de la démence, mais peu incarnent les effets déstabilisants de la maladie avec une telle précision.
Il n’y a jamais un moment où les idées narratives ne sont pas cristallines, vous restant ainsi émotionnellement ancré à tout ce qui se passe. Pourtant, vous êtes toujours laissé à la dérive — pas différent de Leslie, dont l’attachement primal à Martin est à la fois un réconfort et une source de conflit existentiel. Dans ce qui est peut-être le mouvement le plus frappant du film, ce drame central ne fera pas seulement de vous un spectateur en quête de réconfort, mais vous fournira également le nécessaire — pas très différent de la manière dont Amanda en vient lentement à considérer Martin comme une pièce essentielle du puzzle qui est, ou était autrefois, sa mère.
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Marc Lefebvre est un économiste et journaliste, expert en macroéconomie et marchés financiers mondiaux.