Critique de « After This Death » : Mia Maestro hantée par Lee Pace dans l’étrange élégance de Lucio Castro.

Parfois, une chanson en vous demande à être libérée, comme le disent souvent les musiciens lors d’interviews promotionnelles. Mais que se passe-t-il si cette voix qui cherche à s’exprimer n’est pas vraiment la vôtre ? Le scénariste-réalisateur argentin Lucio Castro soulève cette interrogation dans « Après cette mort », un drame psychologique tremblant, insaisissable et étrangement touchant qui flirte avec le ridicule teinté d’horreur, avant d’être sauvé in extremis par une gravité émotionnelle discrète appliquée à un scénario cryptique. Bien que pas aussi abouti et éclatant que le premier film de Castro en 2019, le déchirant « Fin du siècle », cet élément atmosphérique et inhabituel voit néanmoins le cinéaste surmonter l’obstacle du difficile second album — avec, de manière appropriée, une histoire centrée sur un processus d’enregistrement d’album particulièrement complexe.

« Après cette mort » doit beaucoup à l’actrice principale et compatriote de Castro, Mia Maestro, dont la présence intelligente et rassurante confère aux événements un équilibre parfait entre scepticisme et crédulité, alors qu’ils plongent dans un territoire quasi-hitchcockien. Son intégrité fragile se confronte de manière intéressante à la prestation de Lee Pace en tant que divinité du rock artificiel menant le personnage de Maestro dans un puzzle cosmique. Sa parodie assurée d’un certain archétype de mystique simplet ajoute une touche de comédie discrète à un film par ailleurs marqué par une intensité de sentiment sincère. Attirés par les acteurs, les distributeurs pourraient bien mettre en avant les aspects thriller de cette première spéciale à la Berlinale, bien que le film résiste à une classification soignée.

Maestro incarne Isabel, une artiste de doublage argentine désormais installée avec son mari américain Ted (Rupert Friend) dans une cabane moderniste chic dans la campagne du nord de l’État de New York — bien qu’elle se sente toujours quelque peu déplacée et à la dérive, comme décrit dans son monologue intérieur, un pendant en espagnol au dialogue par ailleurs en anglais du film. Enceinte de son premier enfant et avec Ted souvent en voyage d’affaires, elle apaise son âme anxieuse par de fréquentes promenades solitaires à travers le paysage local — capturé ici par le directeur de la photographie Barton Cortright (« The Cathedral ») dans un état automnal permanent de cuivres profonds et de bronzes, avec l’occasionnel et persistant éclat de vert chasseur.

C’est dans l’entrée d’une grotte isolée qu’elle rencontre le randonneur Elliott (Pace), qui la charme avec ses observations flirteuses et faussement philosophiques sur la nature qui les entoure, bien qu’elle ignore sa tentative de lui donner son numéro. Des semaines plus tard, alors qu’elle accompagne son amie Alice (Gwendoline Christie, quelque peu déroutante dans un rôle stéréotypé) à un concert, elle réalise qu’Elliott est en fait le leader d’un groupe de rock avec un suivi culte fervent — leur son quelque part entre une version particulièrement boisée de The National et Jim Morrison à son plus verbeux et pierreux. C’est un point de conflit clé qu’Isabel seule soit peu impressionnée, voire amusée, par les divagations verbales et chantées d’Elliott sur scène devant un public captivé et révérencieux. Mais elle est tout de même très attirée par lui, surtout lorsque, avec un visage impassible, il lui fait une déclaration-invitation mémorable : « Je suis un excellent mangeur de chatte. »

Elle prend ses mots pour argent comptant, et une liaison passionnée s’ensuit — seulement pour être brutalement interrompue lorsqu’elle subit une fausse couche. Amid her trauma, it’s a second, less clear-cut tragedy that plunges the film into the realm of the uncanny, as souls are entwined or perhaps merged in the incident, and Elliott’s disappearance from the scene doesn’t feel exactly final. His obsessive fans, meanwhile, appear to transfer their fixation to her, in increasingly menacing ways, as they impatiently await the band’s long-promised final album. Castro’s script cleverly plays upon the hyper-online scrutiny and intricate code-breaking of contemporary music fandom to paranoia-feeding ends, though the film perhaps overly tips its hand as to its tonal intentions with an early “Vertigo” namecheck.

It helps that the band’s music, composed by Robert Lambardo, feels like it could exist in the real world, and accrue that kind of devoted, close-reading audience: densely knotted lyrical imagery set to a mixture of spare acoustic instrumentation and muzzily distorted industrial noise. Yegang Yoo’s score, with its whispery synths and woodwind notes, serves as an airier sonic counterpoint throughout — seemingly more the music of Isabel’s mind than Elliott’s.

Eventually the two sounds will meet in the middle, with affecting and even cathartic results. Beneath the layers of existential mystery that give “After This Death” its eerie pull is an earnest, granular ode to art and how it’s constructed, whether for purely personal release or communication with another party, known or unknown, of this earth or somewhere beyond.