Dans la foulée de sa première mondiale à Adelaide l’année dernière, le dernier long métrage du réalisateur australien Warwick Thornton (‘Sweet Country’, ‘The New Boy’) fait son apparition en compétition à la Berlinale.
Se déroulant au début des années 1930 dans l’Australie coloniale, dans et autour de la ville fictive de Henry, « Wolfram » de Warwick Thornton se divise en quatre chapitres, tous se déroulant dans le même monde rude et peu peuplé que son film primé à Venise en 2017, « Sweet Country ». Son dernier opus aborde le thème de la séparation : celle des parents et des enfants, celle des frères et sœurs, et finalement, celle des individus de leur propre humanité.
L’absence principale qui structure le film est celle de Pansy (Deborah Mailman) et de sa distance par rapport à ses deux enfants préadolescents, Max (Hazel May Jackson) et Kid (Eli Hart). (Le titre fait référence au métal tungstène, également connu sous le nom de wolfram, qui était extrait dans les Territoires du Nord de l’Australie, souvent par des enfants autochtones australiens).
Le rôle de Mailman, bien que petit, est émotionnellement riche et pratiquement dépourvu de dialogues. Son caractère principal consiste à couper des mèches de cheveux, à les tisser en talismans et à les attacher à des buissons ou des clôtures dans la nature : c’est ainsi qu’elle parvient à laisser une trace de sa présence pour les enfants dont elle a été séparée. Elle s’occupe également d’un jeune bébé, ce qui, associé à de nombreuses autres considérations pratiques, limite sa capacité à fuir sa situation pour chercher activement les enfants plus âgés. Son silence engourdi et son manque d’affect apparaissent comme une réponse au traumatisme ; elle est coupée de ses émotions et également sur le plan narratif, soulignant ainsi son isolement.
Basé sur l’histoire familiale de David Tranter (qui a écrit le scénario et partage un crédit de coécriture avec Steven McGregor, comme pour « Sweet Country »), le film prend essentiellement la forme d’un thriller de survie réalisé à travers les codes du western. Ainsi, on retrouve de nombreux archétypes du western, allant du saloon servant des shots de whiskey piquants à l’accompagnement musical de Scott Joplin, jusqu’à la majorité des personnages eux-mêmes.
Il y a Casey, un méchant abrasive, interprété de manière efficace par Erroll Shand : juste au moment où vous vous attendez à le voir exploser, il hausse les épaules, rendant ainsi la nature décontractée de la violence qu’il inflige encore plus plausible et horrifiante. Il symbolise tous ceux qui ont un jour cyniquement justifié leur propre agression comme étant de la légitime défense, et il est le type d’homme dont les méfaits sont soutenus par d’autres hommes blancs complices. Frank (Joe Bird) est essentiellement l’apprenti de Casey, apprenant de première main à être aussi sadique et raciste que l’homme plus âgé, tandis que Kennedy (Thomas M. Wright), bien que lâche, semble encore entendre des murmures de sa propre conscience, mais les ignore au profit de l’apaisement de Casey.
Du côté des « anges », nous avons Max et Kid, qui finissent par faire équipe avec Philomac, incarné par Pedrea Jackson, un jeune homme tentant de tirer le meilleur parti de sa propre existence difficile. Les frères et sœurs échappent continuellement d’une mauvaise situation à une autre, étant à un moment donné séparés par Casey, qui enlève Max, adoptant la vision commune à l’époque selon laquelle un enfant trouvé sans ses parents peut potentiellement être la propriété de celui qui le trouve — une vision particulièrement soutenue par l’État dans le cas des enfants aborigènes, que les fonctionnaires australiens avaient l’habitude de voler à leurs parents.
L’un des plus grands atouts du film réside dans son esthétique. Cela n’est peut-être pas surprenant, puisque Thornton agit encore une fois comme son propre directeur de la photographie. C’est un cinéaste talentueux, capable de transmettre la chaleur intense et la beauté aride des lieux avec brio. Les plans de coupe de la nature peuvent rappeler le travail de Terrence Malick, mais possèdent leur propre énergie et originalité. Les gros plans de têtards dans un ruisseau, à l’étape où leurs petites pattes arrière commencent à se développer, soulignent la fragilité des jeunes créatures dans un environnement impitoyable, et par extension, la vulnérabilité de Max et Kid.
De même, la palette du film a été soigneusement pensée. Vous ne verrez presque jamais de bleus, de verts ou de violets dans ce monde de teintes désertiques bronzées — bruns fauves, jaunes brûlés, oranges poussiéreux et rochers blanchis au soleil. Tout cela est très approprié pour rendre cet univers visuellement magnifique mais spirituellement oppressant, où l’accent est mis à la fois sur la dureté et la lutte pour survivre.
L’ironie déchirante est que les personnages qui croient tirer profit de l’oppression des autres ne gagnent même pas tant que cela. Leur brutalité n’est qu’un moyen de s’accrocher désespérément à un échelon légèrement plus élevé dans l’échelle du pouvoir, tandis que les véritables privilégiés qui bénéficient de ces systèmes abominables demeurent invisibles. Appelons cela la cruauté des petites différences.
Alors que les deux derniers films de Thornton avaient des stars mondialement reconnues (Sam Neill dans « Sweet Country », Cate Blanchett dans « The New Boy ») pour aider à la promotion, « Wolfram », sans personne d’une célébrité équivalente, comptera sur les éloges critiques, les récompenses et la mémoire du public concernant les précédents travaux du réalisateur pour attirer une audience.
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Bien que la violence, qui n’est pas rare, soit à la fois intégrale à l’univers narratif et captivante à filmer, il est regrettable dans certains sens. Sans elle, il y aurait un argument convaincant pour partager le film avec un public du même âge que Max et Kid : l’utilisation fréquente par Thornton du point de vue enfantin est efficace et serait identifiable pour les jeunes spectateurs. C’est cependant un paradoxe perpétuel dans les films traitant de sujets tels que les abus sur enfants, et ce n’est pas un nœud gordien qu’un seul film peut être attendu à dénouer.
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Marc Lefebvre est un économiste et journaliste, expert en macroéconomie et marchés financiers mondiaux.