Thomas Kinkade : L’empire des images idylliques
Thomas Kinkade a autrefois dominé un empire d’images éclatantes et irréalistes, mais son œuvre populaire ne reflétait qu’une partie de son identité, comme le révèle le documentaire de Miranda Yousef.
L’art qui divise
Les critiques d’art peuvent se montrer réticents, mais Thomas Kinkade, avec ses peintures idylliques de chaumières de contes de fées et de paysages bucoliques qui semblent éclairés de l’intérieur (certains tableaux contiennent littéralement de petites LED), a sans doute apporté plus de plaisir au grand public que tout autre artiste depuis Norman Rockwell. On pourrait théoriquement soutenir que Walt Disney, Charles Schulz ou Margaret « Big Eyes » Keane mériteraient davantage cette reconnaissance extravagante. Pourtant, il a été estimé récemment que l’œuvre de Kinkade ornait une maison américaine sur vingt.
En fin de compte, tout dépend de ce que l’on considère comme de l’« art ». Les peintures d’Elvis sur velours noir comptent-elles ? Et les chiens jouant au poker ou les reproductions en sérigraphie des boîtes de soupe Campbell ? C’est là que les critiques interviennent à nouveau, prenant peu au sérieux les créations kitsch de Kinkade, produites en masse sous forme de mugs, d’assiettes de collection et d’objets poussiéreux de toutes sortes.
« Art pour tout le monde »
C’est l’un des nombreux fils captivants que Miranda Yousef explore dans son documentaire perspicace et très divertissant « Art pour tout le monde », qui plonge dans le côté obscur de celui qui s’autoproclamait le « Peintre de Lumière ». En collaborant étroitement avec la veuve de Kinkade, Nanette, et leurs quatre enfants (sans mentionner la petite amie qu’il fréquentait lorsqu’il est décédé d’une overdose de valium et d’alcool en 2012), Yousef fouille dans les archives personnelles et les démons non résolus de ce phénomène populaire.
Le portrait loin d’être hagiographique de Yousef commence avec des enregistrements audio d’un Thomas adolescent tourmenté, qui n’hésite pas à déclarer : « Je me considère franchement comme un génie. » Et c’était le cas, bien plus en termes d’auto-promotion et de positionnement de son œuvre auprès d’un public chrétien que pour ce qu’il a ajouté au médium lui-même. Mais que penserait ce jeune artiste torturé, dont les premiers croquis ressemblaient à quelque chose de R. Crumb ou de la pochette de l’album « In the Court of the Crimson King », du succès (et de la foi) qu’il a finalement rencontrés ? Plus tard dans le film, on peut entendre Kinkade dire : « Par-dessus tout, je veux éviter de peindre des images ridicules et douces, des images charmantes, des images heureuses. Je veux peindre la vérité, et … la vérité de ce monde est la douleur. »
L’empire commercial de Kinkade
Dès le début, Kinkade a vu un avantage philosophique et financier à rendre son œuvre largement disponible via des éditions limitées, une décision populiste qui a fait de lui le symbole de ce que Walter Benjamin appelait « L’œuvre d’art à l’époque de sa reproduction mécanisée », et probablement le plus réussi des charlatans, mettant le gain commercial avant la réalisation artistique (bien que l’on puisse en dire autant de Jeff Koons).
Opérant à partir de magasins de centres commerciaux stratégiquement éclairés, qui faisaient pour les ponts en pierre ce que Abercrombie & Fitch faisait pour les abdominaux des hommes, les revendeurs de Kinkade employaient des artisans (et non des artistes) pour embellir à la main les reproductions sur toile avec de la peinture, améliorant ainsi les reflets et rendant chaque pièce « unique ». Tel un Bob Ross converti, il apparaissait sur le réseau de téléachat QVC pour vendre ses marchandises et participait à des heures de featurettes promotionnelles ringardes avec des titres tels que « L’Art de l’aventure » et « Une vie de lumière ».
Que l’on apprécie ou non l’œuvre de Kinkade, son attrait est clair : revendiquant une inspiration spirituelle, il a assaini le monde de la laideur et du péché, offrant des environnements douillets et anodins, un domaine virtuel sentimental qui évoquait les notions évangéliques du ciel aussi vivement que les ciels remplis de saints de Giotto sept siècles plus tôt. Mais même les collectionneurs les plus fervents de Kinkade riront des remarques acerbes de critiques tels que Christopher Knight, qui plaisante sur une maison Kinkade rayonnant si intensément qu’elle semble être en feu : « Cette chaumière, c’est là que vit la méchante sorcière… Je n’y mettrai pas les pieds ! »
Un gigantesque potentiel artistique caché
Le premier emploi professionnel de Kinkade a été de peindre des centaines de décors pour le long métrage pour adultes « Fire and Ice » de l’animateur X-rated Ralph Bakshi en 1983 — une fantasy adulte violente pleine de cavernes et de marécages. Mais ce n’était pas la seule fois où l’imagination de Kinkade prenait un tournant sombre, comme en témoigne Susan Boat, une flamme universitaire/muse, se rappelant son ex-petit ami bipolaire, qui réalisait des études de figures et des autoportraits remplis d’angoisse où une orbite menaçante surplombait sa tête.
« Une partie de moi souhaite encore qu’il existe un entrepôt quelque part où il a réalisé ce travail », dit l’historien de l’art Daniel A. Siedell, qui a beaucoup écrit sur les implications théologiques de l’œuvre de Kinkade autour de la mort de l’artiste en 2012. Yousef révèle enfin des images inédites jusqu’alors au public.
Comme chaque extrait d’archive que Yousef inclut dans son documentaire (tiré de milliers d’heures de métrage trouvées dans un casier de stockage de l’entreprise), ces sélections sont méticuleusement organisées et très révélatrices. On y trouve des portraits qui suggèrent le tourment de Francis Bacon à côté de paysages stupéfiants qui utilisent les techniques innovantes de lumière de J.M.W. Turner de manière encore plus audacieuse et expressionniste que les conforts scintillants que nous associons typiquement à l’univers de fantaisie échappatoire de Kinkade.
Même Susan Orlean, qui a écrit le profil de 2001 pour The New Yorker qui donne son nom au documentaire, semble impressionnée par ce qu’elle voit. Orlean avait parié un million de dollars à Kinkade que son œuvre serait présentée dans un grand musée de son vivant — un pari qui se déroule de manière amusante pendant le documentaire. Comme l’admettent les critiques à la caméra, les premières expériences exploratoires de Kinkade suggèrent une autre direction que sa carrière artistique aurait pu prendre, mais elles ne semblent pas plus susceptibles de l’avoir orienté vers une acceptation institutionnelle.
Tout comme le documentaire infiniment amusant « Listening to Kenny G » de Penny Lane, le doc éclairant de Yousef fait appel à toutes les parties, des détracteurs de Kinkade à ses défenseurs les plus ardents, révélant des dimensions totalement absentes de son œuvre énormément populaire (bien que étrangement plate).
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Marc Lefebvre est un économiste et journaliste, expert en macroéconomie et marchés financiers mondiaux.