‘Josephine’ : Une petite fille de 8 ans face à des réalités bouleversantes dans le drame de Sundance

ALERTE AUX SPOILERS : La critique suivante contient quelques révélations.

Pendant des décennies, le système de classification des films de la Motion Picture Association, développé par les studios américains pour informer les parents et éviter la censure, a offert des directives claires sur la pertinence des contenus des films hollywoodiens pour les enfants. L’organisation se souciait principalement du sexe et de la violence, mais mettait aussi en garde les spectateurs contre ce qu’elle décrivait vaguement comme des « situations adultes », qui pourraient être accablantes ou difficiles à traiter pour un jeune public.

Le film « Josephine » s’est distingué cette année au Festival de Sundance, tant par l’audace de son sujet que par la maturité de sa réalisation. Dans ce long-métrage, l’enfant éponyme (interprété avec vulnérabilité par la débutante Mason Reeves) est contraint de faire face à des situations d’adulte beaucoup trop tôt. Inspirée par des événements traumatiques de l’enfance de la scénariste et réalisatrice Beth de Araújo, l’histoire suit une fillette de 8 ans qui est témoin de quelque chose qu’aucun enfant ne devrait voir — une agression sexuelle entre deux inconnus — et de sa lutte pour comprendre un crime qu’elle ne peut pas saisir.

Un dimanche matin, alors qu’elle court dans le parc du Golden Gate avec son père (Channing Tatum), Josephine prend un mauvais tournant. Depuis un point sur une colline, elle aperçoit un homme étrange suivre une joggeuse dans des toilettes publiques. Puis viennent les cris. Lorsque la femme sort, son agresseur la jette au sol, déchire ses vêtements et la domine. Même (ou peut-être surtout) vu de loin, l’attaque est troublante à observer, et bien que le coupable soit rapidement arrêté grâce à l’intervention rapide du père sportif de Josephine, le mal est fait.

« Josephine » se construit finalement vers une grande scène de tribunal où le personnage principal accepte courageusement de témoigner, mais de Araújo semble moins préoccupée par le verdict (que le film ne révèle pas) que par la manière dont cette expérience impacte Josephine, redéfinissant sa vision du monde à l’avenir. Développé au sein des Sundance Labs, le deuxième long-métrage de de Araújo (après le thriller époustouflant en plan-séquence « Soft & Quiet » de 2022, qui traite de suprématistes blancs cachés en pleine vue) s’inscrit parfaitement dans le thème dominant de cette édition du festival — faire face au traumatisme — mais le fait de manière sensible et psychologiquement complexe.

Comme la mère de Josephine, Claire (Gemma Chan), finit par le dire à sa fille, il n’est pas possible de traverser la vie sans que des choses mauvaises n’arrivent : « C’est ta responsabilité de guérir ta propre douleur. » Pendant ce temps, son père, Damien, pense à tout en termes de sport, parlant comme un entraîneur lorsqu’il suggère que la douleur rend les gens plus forts. Pas étonnant que Josephine entende souvent les adultes autour d’elle se disputer. Ils ne parviennent pas à s’accorder sur la voie à suivre, et le film leur permet d’être imparfaits — en particulier le têtu Damien, dont le tempérament s’intensifie rapidement. Pour sa part, Tatum livre une performance complexe comme il n’en avait jamais eu l’occasion auparavant, enrichie par son propre statut de parent. Entre cela, « Roofman » et le sous-estimé « Dog », le public découvre une facette différente de la star.

Il peut sembler étrange d’utiliser le mot « subtil » pour décrire un film qui s’ouvre sur une agression brutale, et pourtant, de Araújo excelle à construire une expérience humaine universelle à partir de détails incroyablement spécifiques (qu’ils soient tirés de souvenirs, de recherches ou de son imagination). Les instants qui suivent immédiatement le crime sont particulièrement puissants, car la réalisatrice nous place dans la peau de Josephine. « Ne bouge pas ! » ordonne Damien — ce qui coïncide également avec le titre du segment autobiographique de de Araújo pour « The Moth » — avant de se précipiter après le coupable.

Laissez seule avec un policier, Josephine doit se sentir punie, alors qu’il la verrouille à l’arrière de sa voiture de patrouille avec la survivante (Syra McCarthy). Ce moment s’étire, semblant durer une éternité, marqué par des détails tactiles : cherchant la ceinture de sécurité, voulant consoler cette femme en pleurs, s’identifiant à un insecte coincé contre la vitre. Dans une scène révélatrice, Josephine semble se sentir utile lorsqu’on lui demande de trouver l’élastique à cheveux de la femme parmi les herbes. Et puis il y a ce long moment, qui la hantera tout au long du film, où elle croise le regard du suspect (Philip Ettinger).

Élevée dans un foyer où le sexe n’était jamais abordé, Josephine ne sait pas comment comprendre ce qu’elle a vu. (En revoyant la scène, il est remarquable de reconnaître comment de Araújo a protégé son jeune acteur de la vérité de ce qu’il jouait. Encore plus impressionnant est la manière dont Reeves parvient à exprimer tant de choses sans tout comprendre.) À mesure que l’ignorance de la fillette entraîne d’autres conséquences, allant de son comportement à l’école à la manière dont elle perçoit les hommes inconnus par la suite, le talent de la réalisatrice réside dans son acceptation d’une certaine ambiguïté.

Au lieu d’imposer une interprétation à son public, de Araújo nous fait confiance pour donner du sens aux mentalités contradictoires, voire contre-productives, de ses personnages. Par exemple, personne ici n’a la moindre idée de comment gérer Josephine après l’incident. Quand elle demande à son père : « Que faisait cet homme ? », il change immédiatement de sujet, agissant comme si rien ne s’était passé. À la maison, Claire reconnaît la tradition familiale d’éviter les sujets difficiles, qualifiant cela de raison pour laquelle elle ne va jamais demander de l’aide à sa propre mère en tant qu’adulte. Pourtant, elle se sent impuissante à discuter de ce qui est arrivé avec sa fille, qui est clairement désespérée de recevoir une explication.

Surentendant un mot inconnu (mais ne sachant pas comment l’épeler), Josephine tape « R-A-I-P » dans un moteur de recherche, se renseignant sur le concept de viol par elle-même — une manière d’apprendre que tout le monde s’accorde à dire qu’elle n’est pas la bonne. Sa mère suggère d’emmener Josephine chez un psychologue (une réponse qu’un enfant pourrait interpréter comme une forme de punition), tandis que son père, qui croit que l’adversité nous rend plus forts, inscrit Josephine à des cours d’autodéfense. À partir de là, l’un des développements les plus nuancés du film est la façon dont la fillette se rapproche — ou rejette — chacun de ses parents à différentes étapes. L’une des scènes les plus émouvantes se déroule entre Josephine et sa mère dans la voiture, lorsque l’enfant demande sans détour : « As-tu déjà été violée ? » et la vérité arrive indirectement, contredisant sa réponse, à travers une seule larme.

« Josephine » offre de nombreuses raisons aux spectateurs de pleurer, presque toutes provenant d’expressions de solidarité. (La réalisatrice a traité son propre traumatisme en faisant du bénévolat pour une ligne d’assistance téléphonique de crise, et cette expérience informe clairement son scénario.) Dans son témoignage pour « The Moth », de Araújo décrit n’avoir jamais eu de clôture avec la survivante de l’agression qu’elle a vue enfant. Comme pour rectifier cela, elle donne à Josephine son moment au tribunal, où la fillette est contre-interrogée par une avocate sceptique (Dana Millican), ainsi qu’une réunion symbolique près de la fin du film. Dans la réalité, le père de de Araújo avertissait : « Tu n’es pas un souvenir bienvenu pour elle. »

Bien que certains puissent trouver cela déclencheur, « Josephine » ose affronter l’intersection dévastatrice de la sexualité et de la violence dans notre culture, abordant les situations « adultes » les plus difficiles avec des yeux clairs.