L’état de la course
Les films « Anora » (Neon), « The Brutalist » (A24), « Nickel Boys » (Amazon MGM), « Emilia Pérez » (Netflix), « Maria » (Netflix), « The Fire Inside » (Amazon MGM) et « September 5 » (Paramount) se sont démarqués comme prétendants à l’Oscar de la meilleure photographie après les festivals d’automne. À noter que « Anora », « The Brutalist » et « Maria » ont été tournés sur pellicule Kodak.
D’autres films attendus cette saison automne/hiver incluent « Gladiator II » (Paramount), « Nosferatu » (Focus Features), « A Complete Unknown » (Searchlight Pictures) et « Wicked » (Universal).
Avant les festivals d’automne, « Dune : Partie Deux » (Warner Bros.) s’était déjà distingué comme favori, accompagné d’autres films remarquables tels que « Challengers » (Amazon MGM), « Inside the Yellow Cocoon Shell » (Kino Lorber), « I Saw the TV Glow » (A24) et « Civil War » (A24).
Le vainqueur de l’Oscar pour « Dune », Greig Fraser, revient en tant que directeur de la photographie pour « Partie Deux », une suite plus spectaculaire réalisée par Denis Villeneuve, où Paul (Timothée Chalamet) dirige les nomades Fremen dans une bataille sur Arrakis en prélude à leur guerre sainte. Pensez à « Lawrence d’Arabie » dans l’espace. Le monde est plus vaste avec plus de planètes, plus de décors et plus d’action. Cette fois, le film a été entièrement présenté en format IMAX avec les caméras numériques Alexa mini LF et Alexa 65 utilisant des objectifs sphériques.
Le désert offre une palette de couleurs étendue pour les séquences de bataille immenses et la romance entre Paul et Chani. Le moment où Paul monte pour la première fois sur un ver des sables pour accomplir son rite de passage chez les Fremen a été filmé pratiquement dans le désert, dans une unité « ver » séparée, avec Chalamet debout sur une plateforme avec des cardans et entouré d’un ventilateur industriel soufflant du sable sur le plateau. De plus, Fraser a expérimenté un look infrarouge en noir et blanc pour les séquences de combat de gladiateurs avec Feyd-Rautha (Austin Butler) sur la planète artificielle Harkonnen de Giedi Prime. Fraser a utilisé l’Alexa 65 avec un filtrage spécial et une désaturation monochrome.
« Anora », la comédie romantique acclamée de Sean Baker (lauréate de la Palme d’Or à Cannes), trouve Mikey Madison dans le rôle d’une danseuse exotique russo-américaine qui rencontre et épouse impulsivement le fils d’un oligarque russe. Ensuite, tout bascule dans ce rêve éveillé d’une romance cauchemardesque. Tournée en 35mm anamorphique par le directeur de la photographie Drew Daniels (« Red Rocket »), qui atteint une ambiance des années 70 avec l’aide du flashing négatif dans des lieux tels que Brooklyn, Coney Island et Las Vegas.
« The Brutalist », du réalisateur Brady Corbet (« Vox Lux »), est une épopée de 215 minutes, filmée par le directeur de la photographie Lol Crawley principalement en VistaVision (la première fois depuis « One Eyed Jacks »), où le film 35mm est monté horizontalement pour une résolution plus élevée et diffusé en 35mm et 70mm. Le film couvre 30 ans de la vie de László Tóth (Adrien Brody), un Juif hongrois et survivant d’Auschwitz, qui lutte en tant qu’architecte visionnaire avant de se voir proposer un projet massif par Lee Van Buren (Guy Pearce). Le mouvement architectural brutaliste des années 50 est né du traumatisme de l’après-guerre. Le style non décoratif était angulaire et composé de béton ou de briques apparentes. Le film utilise la capacité maximaliste de la VistaVision pour véhiculer ce style minimaliste comme un éthos lié à la psychologie de Tóth.
« Nickel Boys », l’adaptation par RaMell Ross du roman récompensé par le prix Pulitzer de Colson Whitehead, explore deux adolescents noirs, Elwood (Ethan Herisse) et Turner (Brandon Wilson), qui deviennent amis en tant que pupilles d’une école de réforme juvénile barbare en Floride à l’époque de Jim Crow. Le film est une expérience sensorielle sur leurs perspectives différentes – espoir et désespoir – tournée par le directeur de la photographie Jomo Fray (« All Dirt Roads Taste of Salt ») comme une expérimentation en docu-poésie. L’approche impliquait de désapprendre beaucoup de pratiques traditionnelles de réalisation de films.
« RaMell et moi avons utilisé le terme POV comme un raccourci », a déclaré Fray à IndieWire, « mais je pense que nous cherchions vraiment une image avec une sentience à elle – une image qui avait de véritables enjeux corporels attachés à elle. Nous voulions essayer de créer une image qui était hyper-subjective et immersive pour le public. Une qui les tirait non seulement dans l’histoire, mais dans les corps même de deux jeunes garçons noirs essayant de naviguer dans le Sud de Jim Crow. Se réjouissant non pas de la brutalité mais de la beauté du quotidien, du quotidien. »
« Emilia Pérez », le thriller musical criminel de Jacques Audiard, met en vedette Zoe Saldaña dans le rôle d’une avocate mécontente qui assiste le chef de cartel mexicain titulaire (Karla Sofía Gascón) dans sa chirurgie de confirmation de genre. Le réalisateur offre audacieusement un rêve fiévreux opératique sur l’espoir d’une nouvelle vie à travers la chanson et la danse – mais il s’agit également de la difficulté d’échapper au passé. Il est situé à Mexico mais presque entièrement tourné contre des écrans bleus à Paris par le directeur de la photographie Paul Guillaume. Le style tapageur et néon-lit est combiné avec le naturalisme rugueux du monde criminel.
« Maria », le drame biographiquement inspiré de Pablo Larraín sur la chanteuse d’opéra Maria Callas (Angelina Jolie), se déroule pendant ses dernières années à Paris dans les années 70. Il poursuit le cycle des portraits psychologiques du réalisateur (« Jackie », « Spencer ») et contient un concept visuel qui fusionne la période des années 40 aux années 70 avec des séquences musicales surréalistes. Il est tourné en plusieurs formats (35mm, 16mm, Super8) par le directeur de la photographie nominé aux Oscars Ed Lachman (« El Conde ») en couleur pour le présent et en noir et blanc pour ses souvenirs. L’effet capture des émotions contrastées lors de hauts et de bas personnels, de performances, d’interviews et d’introspection.
« The Fire Inside » marque les débuts de la réalisatrice Rachel Morrison, nominée aux Oscars, tournée de manière impressionnante par la nouvelle venue DP Rina Yang. Écrit par Barry Jenkins, le biopic concerne la boxeuse olympique Claressa « T-Rex » Shields (Ryan Destiny) de Flint, Michigan, qui remporte sa première médaille d’or et doit faire face à la perspective difficile d’atteindre son apogée si rapidement. La brutalité est à prévoir de la boxe, mais c’est l’intimité, pour laquelle Morrison a toujours excellé en tant que conteuse visuelle, qui domine son portrait de Shields, à la fois sur le ring et à l’extérieur à Flint, assistée par Yang.
« September 5 », le docudrame du réalisateur Tim Fehlbaum (« Hell ») sur la diffusion révolutionnaire par ABC Sports de l’attaque terroriste israélienne lors des Jeux Olympiques de Munich en 1972, rappelle « All the President’s Men » en tant que procédure journalistique suspensive. Tourné dans un style semi-documentaire par le directeur de la photographie habituel du réalisateur Markus Förderer, le film présente une réplique authentique de l’installation de diffusion utilisée par ABC et fait un usage extraordinaire des images d’archives. Le récit fait des allers-retours entre les quatre personnages principaux : Peter Sarsgaard dans le rôle du producteur rusé Roone Arledge, John Magaro dans celui du producteur coordonnateur débutant Geoffrey Mason, Ben Chaplin dans celui du vice-président des opérations olympiques Marvin Bader et Leonie Benesch dans celui de l’assistante allemande Marianne Gebhardt prise entre deux feux.
« Inside the Yellow Cocoon Shell » (lauréat de la Caméra d’Or à Cannes 2023) est le remarquable premier long métrage du réalisateur vietnamien Pham Thien An. L’odyssée de trois heures, définie par une grande immobilité, est l’un des films les plus audacieux de l’année. Le discret Thiện (Lê Phong Vũ ) quitte Saïgon avec son neveu de 5 ans et retourne dans son village natal après la mort de sa belle-sœur. À travers une série de rencontres, il commence à sortir de sa coquille et fait l’expérience d’un éveil spirituel.
« Inside » a été filmé par le directeur de la photographie Đinh Duy Hưng principalement en plans longs et statiques pour une observation objective, mais il comprend également des prises éthérées soutenues de la campagne et de la nature. La palette de couleurs est saturée ou douce, selon l’humeur. L’un des points forts est un flashback érotique avec l’ex-petite amie de Thiện, Thảo (Nguyễn Thị Trúc Quỳnh), sur un balcon humide qui explique beaucoup de choses sur pourquoi il a déménagé à Saïgon et pourquoi elle a pris ses vœux en tant que nonne.
Avec « Challengers », le réalisateur Luca Guadagnino aborde la nature compétitive du tennis avec un triangle amoureux impliquant l’ancienne prodige du tennis devenue entraîneure Zendaya, son mari et champion de tennis en déclin Mike Faist, et son rival au tennis Josh O’Connor, qui est son ex-amant et son ancien meilleur ami. Tourné en 35mm par le directeur de la photographie thaïlandais Sayombhu Mukdeeprom, le film se concentre subjectivement sur leurs relations et rivalités. Alors que les matchs reflètent leurs dynamiques émotionnelles et personnelles changeantes, les scènes en dehors du court atteignent leur propre tension naturelle et leur aspect coloré. Ils ont storyboardé l’action de tennis avec Brad Gilbert, le consultant en tennis qui a entraîné les acteurs et chorégraphié l’action. Le tennis concernait la vitesse de la caméra et la dextérité. L’équipe d’éclairage est même venue avec une solution inspirée pour couvrir le terrain et les gradins : une paire de nacelles ciseaux Magni avec deux SoftSuns de 100K chacune. Cependant, les 10 dernières minutes utilisent un plancher en verre pour permettre une vue partielle des joueurs en mouvement constant.
Le « Civil War » d’Alex Garland est un voyage surréaliste sur la route à travers le cauchemar dystopique de la guérilla qui déchire le pays et culmine avec l’assaut final sur D.C. et la Maison Blanche. Le directeur de la photographie Rob Hardy crée une esthétique de combat authentique basée sur des images d’actualités et une véritable photographie de combat, qui évite principalement les rails et les chariots au profit de prises de vue élégantes à main levée. En fait, ils ont inversé des séquences qui étaient adaptables à des séquences qui étaient prévues comme des opérations militaires. De plus, ils ont utilisé de manière astucieuse des coupes de photographie fixe par la photographe de combat désabusée Kirsten Dunst et la photographe en herbe Cailee Spaeny, qui jouent une dynamique « All About Eve ».
« I Saw the TV Glow » marque la dernière exploration méta-culturelle de l’angoisse adolescente en banlieue par la réalisatrice Jane Schoenbrun. Situé à la fin des années 1990 et au début des années 2000, le film d’horreur suit Owen (Justice Smith) et Maddy (Brigette Lundy-Paine), qui se lient d’amitié grâce à leur amour pour l’émission pour enfants de fin de soirée « The Pink Opaque » et réalisent lentement que la réalité bizarre de l’émission a pris le dessus sur la leur après son annulation. Tourné en 35mm par le directeur de la photographie Eric K. Yue, l’aspect contraste une réalité morose avec une hyper-réalité semblable à du coton candy comme lueur d’espoir.
« Blitz » (Apple TV+), du réalisateur britannique Steve McQueen, concerne la chute de Londres en 1940 sous l’attaque aérienne allemande pendant la Seconde Guerre mondiale, et met en vedette Saoirse Ronan, Elliott Heffernan et le chanteur/compositeur Paul Weller (The Jam) dans ses débuts d’acteur. Il se concentre sur le jeune métis Heffernan, qui est évacué de Londres pour être mis en sécurité et s’enfuit immédiatement et lutte pour retrouver sa mère (Ronan) et son grand-père (Weller). Il est tourné par le directeur de la photographie français Yorick Le Saux à travers une combinaison de naturalisme et de surréalisme, avec un grand clin d’œil à « Oliver Twist ». En tant que suivi du documentaire acclamé de McQueen sur la Seconde Guerre mondiale, « Occupied City », il tire parti d’un sens de l’authenticité dans chaque détail.
« Megalopolis » (Lionsgate), l’épopée de science-fiction à 120 millions de dollars de Francis Ford Coppola, établit des parallèles entre la chute de Rome et l’effondrement de l’Amérique, et se déroule dans une métropole semblable à New York appelée New Rome. Après qu’un accident détruit la ville décadente, un architecte (Adam Driver) avec le pouvoir de contrôler le temps tente de la reconstruire en tant qu’utopie malgré l’opposition régressive. Le film a été tourné par le directeur de la photographie fréquent du réalisateur, Mihai Mălaimare Jr., avec l’Alexa 65 et l’Alexa LF (et l’Alexa Mini LF pour la seconde unité) pour véhiculer quelque chose de radicalement différent : une imagerie plus métaphorique par conception avec l’aspect d’une tapisserie tissée.
« Nosferatu », la réinterprétation par le réalisateur Robert Eggers du légendaire film de vampire muet de F.W. Murnau (plus tard refait par Werner Herzog en 1979), met en vedette Bill Skarsgård dans le rôle du comte Orlok infâme, Lily-Rose Depp dans celui d’Ellen Hutter et Nicholas Hoult dans celui de son mari, Thomas Hutter. Tourné en 35mm par le directeur de la photographie fréquent du réalisateur Jarin Blaschke, le film arbore un aspect désaturé rappelant le romantisme du XIXe siècle. Il offre des frissons et des sensations fortes en passant du Londres du XIXe siècle à un château gothique, où le couple est hanté par des rêves qui pourraient être des présages de ce qui est à venir, et joue à cache-cache avec le vampire insaisissable, tapi dans l’ombre.
Pour le reste : « Gladiator II » (Paramount), la suite de Ridley Scott à son lauréat des Oscars, concerne Lucius (Paul Mescal), l’ancien héritier de l’Empire, contraint d’entrer dans le Colisée après que sa maison a été conquise par les empereurs tyranniques qui dirigent maintenant Rome. L’épopée est tournée par le directeur de la photographie John Mathieson, qui a commencé sa collaboration avec Scott sur « Gladiator ». La suite présente une grandeur accrue, soulignée par des combats de gladiateurs féroces et des batailles maritimes palpitantes.
« Wicked » (Universal), l’adaptation par Jon M. Chu de la comédie musicale fantastique de Broadway de Stephen Schwartz et Winnie Holzman, explore l’amitié adolescente entre la méchante sorcière
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Marc Lefebvre est un économiste et journaliste, expert en macroéconomie et marchés financiers mondiaux.